Rêve d’Elephant Orchestra

Céline Bonacina trio : Alefa music

Céline Bonacina (saxophones), Kevin Reveyrand (guitare basse), Hari Ratsimbazafy (batterie).

La frêle saxophoniste a du coffre et de l’abattage. Soutenue par une brillante rythmique avec un soliste virtuose à la basse et un batteur malgache inventif, elle fonce droit devant, servie par une maîtrise des instruments sans faille. Un joie de jouer communicative qui s’appuie souvent sur des rythmes et des mélodies récoltés durant son séjour dans l’océan indien, alors qu’elle enseignait dans l’Ile de la Réunion.  L’emploi de pédales d’effets lui permet d’user de polyphonies ou de figures à plusieurs voix superposées qui agrandissent le spectre  sonore du trio. La thématique est orientée vers des climats de boucles répétitives, sans exclure de brillantes saillies héritées du post-bop. Le tout est porté par une magnifique sonorité au baryton, saxophone privilégié à juste titre par la musicienne, mais aussi à l’alto ( un timbre d’une très exacte définition), pour un seul titre.

Journal Intime plays Jimmi Hendrix

Sylvain Bardiau (trompette), Frédéric Gastard (saxo basse), Matthias Mahler (trombone).

Ici, on atteint le summum. Ce trio de cuivre qui a arrangé (et dérangé) des compositions de Hendrix et d’autres ayant appartenu au répertoire du « guitar héro » absolu cumule tous les atouts. Une précision d’un professionnalisme de très haut niveau alliée à une présence scénique sans esbroufe mais bigrement efficace. Ces trois-là  dépensent une énergie folle – toujours sous contrôle  – mais n’en font pas payer le prix à un auditoire qui se trouve, de fait, entrainé sans rémission sur leur longueur d’onde. Les arrangements sont aussi sophistiqués que redoutablement efficaces où, suprême élégance, il est parfois difficile de distinguer, sur le moment, ce qui relève du soigneusement écrit et répété, et ce qui y échappe, tout en s’y intégrant très naturellement.  Les solos sont à l’avenant, soignant les dynamiques, mais sans que jamais la tension ne chute d’un degré. On pourrait distinguer Fred Garstard, pour le continuel travail ô combien inspiré qu’il fournit sur cet engin tout de même assez épuisant qu’est le saxo basse. Mais ce serait  faire injure aux deux autres, qui sont à la hauteur de ce « pilier » central.

Ces trois-là sonnent comme douze. Ce trio est un orchestre grand.

Pierre Baux (jeu), Vincent Courtois (Violoncelle)
Textes de Raymond Carver.

On peut simplement écrire que ce spectacle (car en effet c’en est un, et non un concert) est prenant et, tout simplement, formidable dans sa simplicité – et il l’est, en effet. Que Pierre Baux est  vrai comédien de l’excellence : de ceux qui ne se regardent pas jouer mais s’incarnent dans une parole, un récit, vous prenant par la main dès les premières phrases pour vous transporter, comme par hypnose, jusqu’aux dernières syllabes ; que Vincent Courtois est aussi un musicien inspiré, qu’on a pu voir d’autres fois dans de multiples contextes – toujours créatifs – et qu’il met ici ses multiples ressources au service d’une narration musicale parallèle au texte avec une infinie délicatesse.

Des textes forts, deux interprètes haut de gamme : les spectateurs ne s’y sont pas trompés. On aurait aimé cependant qu’ils soient encore plus nombreux pour apprécier un spectacle d’un niveau de qualité rarement atteint  par ici. La salle n’était pas vide, loin de là, mais on a pu observer l’absence d’un certain nombre de « jazzeux », comme celle d’un autre public, que le concert de jazz n’attire pas mais qui aurait pu faire son miel des qualités théâtrales évidentes de cette production.

A quand le décloisonnement des genres, l’arrachement des œillères ?

On retrouve avec bonheur le cadre superbe de la « Galerie Européenne de la Forêt et du Bois » et son auditorium d’une centaine de places. Alain Gibert, tromboniste, compositeur, figure historique de l’ARFI, se mue pour l’occasion aussi en chanteur et conteur. Un spectacle donc, dont l’argument, outre son côté anecdotique construit sur des souvenirs – largement fabulés – de son village d’enfance, donne les clefs du parcours artistique d’un musicien qui, après avoir été fasciné comme tant d’autres par le jazz américain, a trouvé sa voie en renouant avec les traditions populaires.

Ici le swing apparaît sous les traits de la bourrée auvergnate, et la sanza africaine (piano à pouces), sommairement fixée sur le pavillon du trombone, scande et harmonise les mélopées issues d’un folklore, imaginaire ou pas.

Un projet minimaliste, sans doute, qui touche son auditoire par sa dimension foncièrement humaniste, son humour tendre et son ontologique simplicité.

Présents dans la salle, ses complices Jean-Luc Cappozzo (trompette) et Jean-Paul Autin (saxo alto), le rejoigne pour, le temps d’un final, reconstituer le Trio Apollo, évidemment bissé par les spectateurs.

Le  Trio en Chant(i)er.

Grégory Sallet (saxophones), Olivier Jambois (guitare), Kevin Luchetty (batterie).

Un nom bien trouvé pour une formation dont la manière – et la matière – semblent se renouveler sans cesse. A des compositions très élaborées répondent des séquences de jeu collectif  et quelques échappées solistes qui gardent en ligne de mire la cohésion globale du propos. Le saxophone sait se faire fluide, la guitare joue sur les timbres et les oppositions de dynamiques et la batterie structure et dissèque les complexes structures qui sous-tendent un jeu essentiellement collectif.

Ayant choisi une démarche exigeante, les trois instrumentistes y apportent un engagement de tous les instants que nourrit leur appétit d’expression musicale.

Un chantier à suivre, comme en a témoigné un public en phase avec cette nouvelle pousse de la jeune génération.

Jean Bolcato (contrebasse, voix, percussions) solo :

Félix le Chat, ciné-concert sur les films d’animation de Pat Sullivan et Otto Messmer.

Avec une gourmandise rouée, Bolcato reconstitue une bande son pour les aventures comme improvisées du mythique matou. Sur la trame de la partition visuelle des dessins animés, le contrebassiste construit son scénario sonore : il caresse, grince, slappe, percute, fait au passage apprécier sa belle sonorité ronde, mais aussi marmonne, crie, aboie et, de temps en temps passe à la batterie. Une sorte de one-man show musical durant lequel l’interprète s’identifie aux tribulations surréalistes des personnages à l’écran. Les films datent des années 20 et démontrent de façon saisissante à quel point leurs auteurs avaient ,dès cette époque, tout compris des possibilités narratives spécifiques au dessin animé (il suffit de songer à ce qu’un Tex Avery a pu leur emprunter).

Un spectacle qui permet plusieurs niveaux de lecture, selon l’âge ou les préoccupations culturelles.

Il a été suivi par un public nombreux, massé dans le très beau parc de la Maison des Patrimoines : stagiaires de Jazz Campus, familles avec enfants, élus locaux, amateurs de jazz et musiciens ont goûté en commun cette fête de l’imagination débridée, toutes voiles dehors, ce qui ressemblait fort à un début de festival idéal.